Marc Burckhardt es un dibujante norteamericano muy especial. Su obra suele ser un mix entre lo histórico y lo simbólico, que ofrece como producto final una especie de nueva iconografía clásica. El artista, hijo de una pintora, utiliza una mezcla de óleo con acrílico para sus pinturas, siendo ésta una variación bastante moderna de las técnicas de antiguos maestros de pintura. Si a esta selección cromática y plástica le sumamos que sus obras suelen estar realizadas sobre paneles de madera, la conclusión es evidente: Burckhardt es un nuevo clásico.

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-Nos llamó mucho la atención las texturas que hay en tu trabajo, que se hace muy fuerte en el retrato de Carlos Santana, para la revista “Rolling Stone”.
– Veo las texturas de mis ilustraciones como parte de la historia detrás del sujeto. El material comunica un poco de historia y este significado es traducido en la pintura, esto transmite una idea de experiencia, de reliquia. Cuando usted ve ilustraciones históricas, con sus abolladuras, decaimiento, con esas “arrugas” del tiempo, usted siente intuitivamente que está en la presencia de un objeto bastante importante, de haber pasado siglos, que tenía un significado cultural y personal más amplio. Esto es lo que trato de transmitir con el trabajo: capturar aquel sentido de valor, aquel aspecto iconográfico de la persona. Con el retrato Santana, también traté de darle un toque en respuesta a lo más primitivo de la música. El metal y la madera dan a la obra una crudeza que definitivamente está metida en su música, mientras que las hojas repujadas en el metal reflejan las raíces latinoamericanas.

“Me encantan los muralistas mexicanos, como Diego Rivera, por su capacidad de lograr una narración visual. Sus composiciones, y su estilización geométrica siempre han sido una verdadera inspiración para mí”, nos cuenta el artista, desde Texas.

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-¿Cómo trabajás desde que te encargan una ilustración?
– Cada comisión es diferente, pero cuando trabajo con la música siempre comienzo por escucharla. Esto es otra forma de arte, más abstracto comparado con la literatura, con menor probabilidad de caer en modelos o clichés. Para retratos, busco tanta referencia fotográfica como puedo, tratando de conseguir un sentido más completo de la persona. Nunca trabajo con una sóla opción fotográfica. Comienzo un esbozo o boceto, sin ningún tono o color y presento sólo una imagen al director de arte. Si esto no funciona, exploraré la siguiente dirección. Creo que el ofrecimiento de esbozos múltiples es confuso y nubla su visión. Una vez que el boceto es aprobado, realizo pintura rápidamente, a veces en un día, nunca más que 2 o 3 días.

-¿Qué técnicas utilizás? ¿Hay algo digital allí?
– Por lo general trabajo en madera, usando acrílicos y óleos. Mis obras son bastante pequeñas, como viejos íconos, entonces son más fáciles para mí para scanear y entregar a mis clientes digitalmente.

“La computadora es inestimable para este trabajo, pero la fabricación de mi arte está hecho a mano. La tecnología es sólo un instrumento para entregar el trabajo, no crearlo”.

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-¿Cuáles son tus influencias, cuáles fueron tus maestros?
– Mi background se alimenta con mis conocimientos de historia del arte y gráfico, y pienso que ambos intereses han alimentado mi trabajo. No alcanzo a encontrar a un profesor que influyó en mí, aunque hay muchos artistas como Van Eyck y Bruegel, cuyo estética ha tenido una influencia obvia en mi obra.

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-¿Por qué creés que las editoriales te piden una ilustración?
– Creo que la gente busca mi trabajo, porque ven una unicidad y una sinceridad en ello. No quiero “ilustrar” un sujeto, quiero responderle de una perspectiva individual. El mejor arte no se rinde ante el sujeto, sino que lo refleja a través de un punto de vista personal. Trato de hacer de mi arte una extensión de las cosas que valoro y la perspectiva que tengo de la vida; con esperanza, esto trae algo nuevo, aunque se use lo “viejo’ para comunicarlo.

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